欧洲古典雕塑聚居所

栤雁

夏特尔大教堂的装饰雕像

教堂雕塑，公元十二世纪－公元十三世纪。

　　公元476 年，西罗马帝国灭亡，欧洲进入了由基督教统治的中世纪时代。从艺术史的角度讲，中世纪到意大利文艺复兴时终止，前后长达一千多年。在这漫长的一千年里，基督教称为治理国家的精神支柱，整个欧洲完全处于封建宗教的控制之下，文化处于被桎梏的状态，古希腊和古罗马所流传下来的灿烂文明则几乎完全衰竭，以致于后来崇尚古典艺术的人都称中世纪为“黑暗的一千年”。中世纪的基督教文明完全取代了原来的地中海传统，教会成为政治、经济、文化各个领域的权威和组织者，艺术也完全为宗教服务，非写实的、教条的、充满宗教色彩的艺术风格主宰了中世纪的美术，而古典的自然主义风格和所有古典文明成为光辉的陈迹。

　　建筑是中世纪艺术的最主要的表现形式，大量的教堂就是在那个宗教狂热的时代修建的；而雕塑作品几乎都以建筑的一部分的身份出现的，内容所表现的完全是宗教故事或《圣经》中的人物。

　　法国是中世纪后期哥特艺术的发源地，夏特尔教堂便是有代表性的作品之一，教堂上大量的装饰性雕像也是哥特雕塑的最著名的代表作之一。在教堂门侧的立柱上，雕刻有许多直立的人物形象，有的是表现圣经中的先知和圣徒，有的是表现皇帝和皇后，体现了政教合一的思想。这些大门侧柱上的石雕，虽然有着中世纪典型的被拉长的身材和呆滞的目光，但也表现出了人物的个性，动作也有所变化。其中以教堂南墙的《四圣徒像》最为出色，这是圣经中四个不同时代的圣徒形象，都以圆雕的形式出现的，神态生动，富有个性，形体比例也比同时代的其他作品准确，他们服装的质感也被雕刻家们细腻地表现了出来，有很强的质感。所有这些雕像都有着安静、平和的神态，体现了基督教信念中的理想形象，具有很强的宗教感染力。

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《埃克哈德与乌塔夫妇像》，又称《捐助人》，教堂装饰雕刻，创作于约公元1250－1260年。

　　在中世纪后期大部分哥特式教堂内外都有许多雕像与雕塑装饰，表现技巧也十分高超。许多教堂中都布满了各种各样的人像雕刻作品，目的是营造一种上帝宫殿的气氛，使人感到似乎来到了另外一个世界。法国的哥特式教堂是这方面的典范，而德国的瑙姆堡大教堂中，也有一批艺术价值很高的雕像可与法国的同类作品相媲美。

　　瑙姆堡大教堂的大量雕像，可以说是当时社会典型人物形象的展览馆。在正殿的内壁上，雕刻有十二个人物形象，他们都是最初筹建这座教堂的捐助人。其中最为出色的是埃克哈德与妻子乌塔的雕像，堪称中世纪德国教堂雕像艺术的杰作。埃克哈德是一位典型的骑士形象，他手扶长剑，表情严肃，以一种出尊严的气度护卫着他声旁的妻子。他妻子乌塔的雕像更加精彩，她容貌秀美，妩媚生动，正放低遮住面颊的领子，似乎正准备向人答话。乌塔的形象没有古代贵妇人的高傲的气度，是欧洲中产阶级妇女的真实典型，脸上的神情则表现出对上帝的虔诚和对生活的憧憬。这两尊雕像充满了生活的气息，他们仿佛随时都可以从台架上走下来，加入到善男信女的行列中去。雕刻的作者虽然没有留下姓名，但我们可以看到中世纪雕刻家们敢于正视生活、敢于打破陈规旧习的勇气，他们在雕刻中强调了生活的真实，将早已死去几百年的人物刻划得栩栩如生，十分符合历史的可信性，显示了民间雕塑家丰富的想象力和创造性的智慧。

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《访问》组像

《访问》组像 ,创作于公元十三世纪三十到七十年代。

　　在艺术“黑暗”的中世纪，雕刻作品往往只是教堂等建筑的附属品，起到再现教义和渲染宗教气氛的作用，雕塑的作者多是无名的工匠。虽然在基督教思想的严格束缚下，他们的创作都只是被动地为宗教服务，但作为热爱艺术、勇于探索的艺术家，他们敢于在教规、教义所允许的范围内，对作品赋予自己的理解和认识，流露出世俗性雕刻的特点，表达了普通人的情感和对艺术的追求。位于法国兰斯大教堂的《访问》组像就是能很好地体现这一特点中世纪雕塑杰作。

　　兰斯大教堂建于公元十三世纪，其大量的雕像作品是中世纪后期哥特式雕塑的优秀代表作，都是表现出对揭示精神世界美的兴趣，有时还表现出人物的性格，其中最著名的就是位于西大门入口处的《访问》组像。组像中共有四个人物，题材是两个圣经故事。左侧的一对雕像被命名为《报佳音》，表现的是天使向圣母玛丽亚报告他怀上基督的消息。天使生有一对翅膀，头自然地转向观众，脸颊上露出十分自然的微笑，玛丽亚则表情平静。右边的一对雕塑被命名为《圣母玛丽亚访问伊丽莎白》，讲述的是圣母玛丽亚怀上基督以后，去访问同时怀孕的伊丽莎白（圣使徒约翰的母亲）。圣母右手微微举起，左手持圣书，表情矜持而安祥，但嘴角流露出即将作母亲的幸福；她左侧的伊丽莎白年龄稍长，表情严肃，体态肃穆静止，表现出恭迎圣母的真挚而虔诚的情感。这些雕像构图简洁，人物表情多样，体态生动，衣裙的转折重叠雕刻十分自然，充满写实主义的风格。它们都突破了严肃的、平板化的寺院雕像模式，具有明快爽朗的风格，可见当时的雕刻家们早已不满足于刻板的雕刻，而是在尽可能发挥之处都赋予神像雕塑以生活的气息。

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乔凡尼·达·波洛尼亚（Giovinni da Boulogne,1529-1608）十六世纪末意大利最著名的风格主义雕塑家。原名为让·德·布洛涅（Jean de Boulogne），法国人，后来赴意大利工作，并在那里成名。1555年波洛尼亚曾去罗马，并向米开朗基罗学习，两年后迁居佛罗伦萨，直到1608年逝世一直是该城总督美第奇家的御用雕塑家。他被认为是继米开朗基罗之后意大利最重要的雕塑家，从艺术风格上代表了从米开朗基罗雕塑向巴洛克雕塑的过渡，他的作品打破了以前雕塑附属于某个建筑物的规范，成为希腊化时代结束以来率先实现多视角欣赏的雕塑家。他主要的代表作有组雕《抢夺萨平妇女》、青铜雕像《墨丘利》、大理石雕像《战胜比萨的佛罗伦萨》等。

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波洛尼亚，墨丘利

《墨丘利》，青铜雕像，高187厘米， 波洛尼亚创作于公元1580年，现收藏于佛罗伦萨国立美术馆。

　　波洛尼亚是意大利十六世纪末最著名的风格主义雕塑家，曾是佛罗伦萨美第奇家族艺术殿堂的座上宾，并在那里完成了许多优秀的艺术作品，这件《墨丘利》就是其中最精美的青铜雕像之一。墨丘利，在希腊神话中被称为赫耳墨斯，是宙斯的儿子，也是希腊奥林匹斯山上诸神的使者，主管商业、交通等，被罗马人尊奉为商业的保护神；他还多才多艺，行走如飞，是一个俊美的青年使者。在这尊雕像中，墨丘利头戴插翅的飞行帽，左手拿着代表商业的盘蛇神杖，右手指向天空，左脚站在一个人的嘴上，右脚向后弯曲着，似乎正在跳跃着。他的整个体态正在向上飞腾着，动作舒展、灵活而优美。青铜的雕像表面被处理得十分光洁圆润，在阳光的照射下，墨丘利全身显得流畅、轻巧、悦目，充满了旺盛的青春活力和强烈的装饰美。这座雕像原本是作为喷泉装饰的，体现了风格主义雕塑的典型特色，华丽而富有装饰性，同时它又具有文艺复兴时期特有的精神面貌，为文艺复兴后期最重要的雕塑作品之一。

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波洛尼亚，抢夺萨平妇女

《抢夺萨平妇女》，大理石雕像，高4.1米，波洛尼亚创作于1579－1583年，现位于佛罗伦萨兰齐回廊。

　　作为文艺复兴后期米开朗基罗之后意大利从最重要的雕塑家，波洛尼亚的雕像以其独特的风格代表了从米开朗基罗雕塑向巴洛克雕塑的艺术风格过渡。这尊《抢夺萨平妇女》就是最能代表波洛尼亚艺术风格的作品之一。

　　雕像取材于历史故事，传说罗马人曾对邻邦萨平进行了疯狂的掠夺，包括劫掠许多萨平妇女作为自己的妻子。这个题材后来就被许多艺术作品所表现。雕像中共塑造了三个人物：被抢夺的妇女，罗马劫掠者和一个老人。雕像的整体构图造型呈螺旋的上升状态，最上方的女人把一只手臂伸向天空，身体强烈扭动着，面部表情惊恐至极，似乎正在作最后的努力，想从罗马人那强壮的手臂中解脱出来；最下面的老人显然被惊呆了，左手举到眼前，脸上中露出恐怖的神情；中间的罗马人身体强健有力，头高高仰起，紧紧抱着被自己掠夺的猎物。这些人物的姿态很明显受到了希腊著名的雕塑《拉奥孔》影响。雕像中的三个人体围绕着一根无形的轴线在旋转和扭动着，显示出一种上升的运动感。更重要的是，这件作品突破了以往雕像附属于某个建筑物，只能从固定视角去欣赏的局限。它允许观众从各个角度上来欣赏，随着观众角度的变化，雕像的外轮廓也不断变化着。

　　《抢夺萨平妇女》是希腊化时代结束以来第一次出现的多视点雕像杰作，也体现了十六世纪末期样式主义美术的艺术风格。

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波洛尼亚，战胜比萨的佛罗伦萨

《战胜比萨的佛罗伦萨》，大理石雕像，高282厘米，波洛尼亚创作于1565－1570年，现收藏于佛罗伦萨国立巴哲罗美术馆。

　　1406年，意大利名城比萨被佛罗伦萨征服，并很快成为贸易航运中心；后来比萨又宣告独立，直到1509年再次被佛罗伦萨所征服。这个历史事件在基督教的宣传中，被赋予了“灵魂之战”的意义，并被称为“美德与邪恶之战”。这件作品就是这个历史事件的象征性雕塑。

　　这是波洛尼亚奉佛罗伦萨的托斯坎尼大公之命，为其儿子弗朗西斯科结婚装饰婚礼宴会厅所作的两尊雕塑作品之一（另一件作品是《参孙杀死非利士人》），也是波洛尼亚著名的代表作之一。这件作品不是波洛尼亚本人亲手雕刻而成的，而是他的助手根据他创作的泥雕小样用大理石雕刻而成，并在维琦奥宫的大厅中展出。作品中的女性人体代表了取得胜利的佛罗伦萨，形象丰满优美，造型上则沿袭了传统的表现形式；跪在下面的那个被绑缚着的老人形象则代表了被征服的比萨。这件作品表现胜利者统治跪着的失败者，用人体来象征“正义”与“邪恶”，很明显是为了满足佛罗伦萨大公对权势与统治的欲望而创作的。雕像还采用打磨法非常细腻地表现了人体表面各个局部的肌肉组织，堪称是样式主义雕塑的“绝技”。

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多那太罗（Donatello，1386－1466） 文艺复兴早期意大利著名的雕塑家，全名为多那托·迪·尼科罗·迪·贝托·巴地，多那太罗是他的外号。他生于意大利的佛罗伦萨，早年丧父，其艺术生涯是从在当时著名的雕塑家吉贝尔蒂那里当助手开始的。1416年，作品《圣乔治》使他闻名于佛罗伦萨，并开始受到当时银行界巨头美第奇家族的礼遇，后来完成的罗马教皇陵墓雕刻更加确立了他的艺术声誉，1443－1453年他曾在帕多瓦从事艺术创作。多那太罗是个多才多艺的艺术家，作品风格丰富多变，体现出罕见的深度和力度。他深入研究了古希腊罗马古典主义的雕塑作品，重新发现了希腊美术的精华，并加以发扬广大。他打破了中世纪古板的雕塑造型模式，通过细致的观察和高超的雕塑技巧，在作品中逼真地表现了处于运动状态中的人体，使作品中的人物形象栩栩如生。他是第一位推崇和借鉴希腊古典主义艺术风格的大雕塑家，也是他结束了一千多年的中世纪美术史，开创了文艺复兴的新纪元，确定了文艺复兴时代意大利雕塑艺术发展的基本路线。多那太罗的作品中贯穿着很强的民主主义艺术思潮，受到后来著名艺术家达·芬奇、拉斐尔等人的尊崇。他一生作品众多，其中最著名的代表作为青铜雕像《大卫》、《格太梅拉达骑马像》等。

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《大卫》，青铜雕像，高159厘米，多那太罗创作于约公元1430－1432年，现收藏于佛罗伦萨国立美术馆。

　　多那太罗是意大利文艺复兴前期雕塑新纪元的代表人物，曾耗费大量的精力去研究古代希腊和罗马的雕塑，但他并不一味地模仿，而善于在继承古典主义雕塑艺术的基础之上进行创新。这尊《大卫》就是多那太罗进入艺术的成熟期的一件重要的代表作。

　　雕像塑造的人物大卫是圣经《旧约全书》中的英雄，后来成为以色列王，并使国家得到了统一。以色列王扫罗在位时，非利士人进攻以色列，其中有一个巨人勇士哥利亚所向披靡，无人能敌；大卫见此情景，主动要求作战，并用智慧和勇气杀死了哥利亚。雕塑表现的就是这个青年勇士杀死敌人后的场景。在雕像中，这位圣经人物不再是概念性的象征，而是一个活灵活现、有血有肉的生命。用裸体形象表现宗教形象，并强调肉体的美感，表明这个作品具有里程碑的意义。大卫在雕像中被塑造成了一个可爱的牧童形象，头戴牧人帽子，右手握剑，脚下踩着被割下的哥利亚的头颅，脸上的表情是那样悠闲，似乎还有一点得意。他的身体形态几乎完全是古希腊风格的，显得自然而放松，身体各部分的比例也符合古典主义理想美的标志，似乎又回到了崇尚人体美的希腊和罗马时代。然而，大卫的表情却表现出人物是复杂的心理状态：这位还没有成年的英雄的目光并没有对准巨人哥利亚的头颅，而是对准了自己的身体，似乎是由于他所完成的英雄业绩才使他首次发现了人类自身的美和力量。作品体现了佛罗伦萨人热爱自由和追求自由的心愿，也开创了文艺复兴时期美术作品的一个重要而引人注目的主题，就是对人类自身价值的发现和认识。同时，作为中世纪以来第一尊裸体的圆雕作品，《大卫》就更显得具有划时代的意义了。

《格太梅拉达骑马像》，青铜雕像， 高340厘米，多那太罗创作于公元1445－1450年，现位于意大利帕多瓦的圣安东尼广场。

　　在古代罗马，用雕塑表现人、歌颂和塑造帝王将相的作法相当盛行，创作于公元170年左右的《 马卡斯·奥里欧斯骑马像》就是其中最典型的代表作，为后人树立了纪念性雕像的模式，但这类雕像在中世纪大多被毁坏了。文艺复兴前期著名的雕塑家多那太罗则使这种艺术形式重新焕发出了光彩，创作了这尊《格太梅拉达骑马像》。

　　1443年，多那太罗来到意大利北方城市帕多瓦，并受聘为当时的威尼斯雇佣兵队长制作了青铜骑马像，这位骑兵队长绰号为“格太梅拉达”，意思为“狡黠的猫”。雕像不仅重现了古罗马骑马雕像的宏伟气势，还充分体现了时代的特点，达到了文艺复兴前期现实主义艺术的高峰。作者雕刻的手法十分简练粗犷，忽略了许多琐碎的细节。骑马的队长身着意大利式的盔甲，面容并不俊美，但透露出军人的坚强意志、勇敢无畏甚至残忍的性格；他虽然处于静止之中，但却仍然显示出强烈的内心激情。人物的装束雕刻参照了罗马的服饰，并装饰有胜利的面具和带有翅膀的精灵形象。所有这些都是在为雕像的一种气质服务：人文主义者所崇尚的个人英雄主义。他的出身可能并不高贵，但坚毅、冷酷、勇敢、残忍，为了达到个人或本阶级的目的，能够果断坚定、毫不犹豫地蹋着尸体和鲜血前进。这种品格促成了他事业上的成功，成为叱咤风云的人物。很明显，这是作者为当时新兴资产阶级英雄人物所树立的纪念碑。雕像中的人物和坐骑的雕刻都采用了现实主义的手法，没有任何浮夸和理想化的成分，表现出的就是一个活生生的雇佣兵队长，而不是神话中的英雄。这尊雕像充分体现了多那太罗的艺术风格和当时的时代特点，被认为是他最著名的代表作之一。

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以下是引用joky在2008-11-13 15:54:00的发言：

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